青山学院大学を拠点とし、洋服のデザインから生産管理、販売まで一貫して手がける服飾学生団体「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」（以下、AFA）。2018年に設立された同団体は「プロと共に最高品質のファッションを作る」をコンセプトに掲げ、学生主体でのものづくりを通して、業界や社会との新たな接点を創出することを目的に活動しています。

今回は、最新コレクション「Undo」を発表したAFAのメンバーにインタビュー。コレクション制作のプロセスやテーマに込めた思い、そして団体での経験について話を伺いました。

ファッションショーを行わない、AFAのもの作り

──「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」について、活動内容を教えてください。

恩河：青山学院大学発の学生服飾団体で、主に二つの軸で活動しています。一つは、年に1度のコレクション制作、もう一つは企業と協働してアパレル企画などを行うクライアントワークです。コレクションではテーマ設定から洋服のデザイン、さらにスチールとムービー制作など演出部分まで、プロの方々の協力を仰ぎながら学生主体で手がけています。そして、その集大成として毎年3月に展示会を開催しています。現在、部員の約9割が四年制大学に通う学生で、専門学生や短大生も在籍しています。

──服飾学生団体は、美術大学や専門学校に通う学生が多いイメージがあります。四年制大学の学生が半数以上を占めるのは意外ですね。

恩河：AFAでは、コレクションやクライアントワークの際に、デザイン画を自分たちで制作し、その後の製造工程はOEM企業に委託しています。そのため、縫製やパターンなどの専門知識がなくても服作りに関われる点が特徴です。その意味で、四年制大学で服飾を専門的に学んでいない学生でも参加しやすい団体だと思います。

実際、私自身も特段、服が好きだったわけではありません。むしろ、クリエイティブな発想を形にできる場所を探していました。縫製を中心に洋服を作りたいというよりも、企業とのコラボなどを通じて社会と関われた方が後々何かに活かせるのではと。

──当初はファッションショーを行う団体だったそうですね。

恩河：2020年にリブランディングを行い、ファッションショーを実施しない団体へと方向転換しました。AFAでは、学生団体でありながらも企業やプロフェッショナルと協働することで、クオリティを担保しながら独自性のあるアウトプットを目指しています。

塚本：作品の扱い方にも特徴があります。他団体の場合、ファッションショーのための一点物として制作されることが多いですが、AFAではクライアントワークはもちろん、コレクション作品も展示会で受注販売しています。そのため、自分たちの思想を反映したデザインでありながら、日常的に着用できるリアリティのある服づくりを意識しています。

──体制としてはどんな部門に分かれているのでしょうか。

塚本：2〜3年前までは部門ごとに分かれて進めていましたが、現在はデザインやディレクション、展示会の演出などを部員全員が横断的に関わる形で進めています。なので、体制を固定せず、その時々の状況に応じて柔軟に動いている状況です。

──これまでに携わってきたクライアントワークについて教えてください。

塚本：昨年から今年にかけて、スーツの「アオキ（AOKI）」やスポーツアパレルの「ナイキ（NIKE）」、オフィスカジュアルの「テチチ（Te chichi）」などとコラボレーションを行いました。「アオキ」や「テチチ」では、スーツやオフィスカジュアルの洋服を実際にデザインさせていただき、「ナイキ」では、新作シューズに合わせたスタイリングを提案をしました。

恩河：アパレル企業以外とも協働しています。例えば昨年は、漫画『北斗の拳』の40周年プロジェクトとして、記念展示会でグラフィックTシャツを制作・販売しました。

──クライアントワークと言っても、表現の幅が広いですね。

恩河：そうですね。個人的に、これまでのクライアントワークで印象に残っているのは、『北斗の拳』の企画です。実際の漫画のコマを切り抜いてグラフィックを作成するのがとても楽しく、気づけば徹夜してしまうほど夢中になっていました。父が原作のファンで全巻持っていたこともあり、作品を改めて読みこんだ上で好きなキャラクターをベースにデザインを考えました。

塚本：私は「ナイキ」とのコラボ。新作スニーカー「AIR MAX Dn8」の内部展示会に向けてスタイリングを担当しました。その際に、スタイリングだけでなく、私たちがデザインした洋服を実際に制作していただき、それをAFAの過去のコレクションアイテムと組み合わせて自由にスタイリングさせていただきました。

展示会では店舗スタッフの方々から「こういうスタイリングの組み方もあるのか」と参考にしたいという声をいただき、大きな自信につながりました。

──企業やブランドと協働する際、方向性のすり合わせは難しいように感じます。

塚本：企業側が私たちに求めていることと、自分たちが実現したいことの間に相違がある場合もあるため、調整の難しさを感じることはあります。

もちろん企業の方々も私たちの意図を汲み取り、実現できるように動いてくださいます。ただし、最終的には妥協点を探ることもあります。その中でも最大限いいアウトプットにできるよう、折衷案や新しい提案を出しながら、双方にとって価値のあるものを目指しています。

恩河：個人的には、ある程度の制約がある方がクリエイティブは生まれやすいと思っています。制限の中で試行錯誤することがむしろ面白いですし、自分だけのエゴに偏らず、多くの人に評価してもらえるもの作りにつながると思っています。

──協働する中で、企業が学生に求めていることは何なのでしょうか。

塚本：企業の方からは「若い方がどう考えているのかを知りたい」という意図でお声がけいただくことが多いです。ただ、私たちは服飾団体という特性上、必ずしも若者の考えを代弁しているとは限りません。そのため、単純に若者代表として意見を伝えるのではなく、リサーチを行った上で、より広い視点からもの作りに反映するように心がけています。

コレクションテーマは「Undo」。不完全さを美しさに

──コレクション制作はどのように進めていますか？

塚本：コレクションの土台となるコンセプトは、基本的にデザインチーフである恩河が決定します。決定したコンセプトは6月に部内で発表し、その後、各チームに分かれてコンペ形式でルックを提案。その中からルックの選定を行い、約3〜4ヶ月ほどで全ルックのデザインを決定します。

その後、OEM企業のパタンナーへデザインを展開し、年明けにサンプルが届きます。そこから修正を重ねながら完成度を高めていきます。同時並行でスチールとムービーの制作も進め、2月末に撮影を実施。最終的に、3月に開催する展示会に向けて会場構成や演出、SNSでの発信方法などを決定する流れで進めています。

──コンセプトを決めるにあたって意識していることは？

恩河：まず意識しているのは、過去のコレクションとは異なるものを生み出すことです。「去年よりもいいものを作りたい」という思いを持ちながら、より高い完成度を目指しています。私はAFAに入部して3年目になるため、これまでのコレクションの要素を踏まえつつ、自分自身が魅力を感じる世界観をふんだんに盛り込んだコレクションテーマにしたいと考えました。

──2025-2026のコレクションテーマについて詳しく教えてください。

恩河：今回のテーマは『Undo』です。「Undo（アンドゥ）」は、「do（する）」の否定形というよりも「un-（反対・取り消し）」と「do（する）」が組み合わさった動詞で、「元に戻す」「（結び目などを）ほどく」という意味があります。これまでAFAで活動する中で、前代表と意見が食い違うこともあり、団体の存在意義を考えることもありました。

その過程で、AFAという団体に対する自分の考え方を一度リセットしたいという思いがありました。そこで、新しい自分たちなりの美しさの定義や、固定観念にとらわれない解釈を形にしたいと思い、このコレクションテーマに至りました。

──新たに考える、AFAの美しさとはどのようなものでしょうか。

恩河：これまでのコレクションのアウトプットには、どこか硬さを感じる部分がありました。というのも、一般的にデザインから縫製まで自分たちで行う場合、手作業による不完全さが生まれると思うんです。ですが、AFAの場合はOEM企業に製造を委託しているため、量産体制や品質は担保されている一方で、どこか機械的な印象が生まれてしまう側面もありました。

そうした背景から、今回のコレクションでは、「不完全であること」そのものを美しさとして捉えています。破れたような質感など人の手が加わった痕跡をあえて取り入れることで、ハンドメイドの文脈を感じられるコレクションになっています。

──細部にもテーマが反映されているんですね。

恩河：これまではロゴなどに汎用性の高い定番フォントである、ヘルベチカを使用していました。機械的でモダンな印象のフォントですが、今回のコレクションテーマをあえて手書きで表現するなど、細部まで『Undo』の思想を反映しています。

これまでのAFAは少し保守的な部分もあったので、今回のテーマを通して一度リセットしてもいいのかなと。

──今回の展示会でAFAを引退されるそうですが、AFAでどんな学びや発見がありましたか？

恩河：メンバー同士の価値観の違いに向き合いながら制作を進めることで、自分自身の成長につながったと思います。服作り自体は、個人でも行うことができますし、他の服飾団体では一人1ルックを制作し、それらが集まってファッションショーを構成することが多いです。ただ、AFAの場合は、一つの服を制作する際に数人のチームで行っています。

その分、意見が衝突することもありますが、一つの作品を全員で作り上げるからこそ、異なる意見や価値観の共存可能性を模索することになります。そんな経験は、自分の視野を広げると同時に、大きな財産になったと感じています。

──コミュニケーションのあり方を考える時間にもなったんですね。

恩河：私が3年間で学んだことは忍耐力ですね。コンセプトや要件を満たすのはもちろんですが、かっこいいものを作ろうとすると、必ず壁にぶちあたる瞬間があります。そうした状況でも妥協せず、納得できる形になるまで作り直す気力や粘り強さの大切さを実感しました。

──クリエイティブのアウトプットの形にはこだわりがないとおっしゃっていましたが、この経験を通して新たな発見はありましたか？

恩河：制作の過程でIllustratorやPhotoshopを使用する機会が多く、使いこなせるようになったのでデジタル上でのデザインにも興味を持つようになりました。

また、コレクションの中でジュエリーラインがあり、シルバーアクセサリーの工場と連携してジュエリー制作にも携わりました。その経験を通して、自分は意外と細かい作業も得意なんだと気づくことができました。そうした発見も含めて、忍耐力を楽しさに変換できた感覚があります。結果として、自分に合ったアウトプット方法を見つけられたと思います。

──今後、団体として挑戦したいことはありますか。

恩河：ファッションショーを行わない団体として活動してきましたが、部員の中にはファッションショーに興味を持っている人も一定数います。体制としてはまだ整っていない部分もありますが、来年度はファッションショーの実施にも挑戦できたらと考えています。

その一歩として、SHIBUYA FASHION WEEKへの出展も控えています。今年は販売のみですが、来年度はぜひファッションショーを実施する側として参加することを目標にしています。

──最後に、AFAに興味を持つ学生にメッセージをお願いします。

塚本：AFAは、やればやるほど楽しさが増していく団体だと思っています。もちろん辛いこともありますが、得られる経験やスキルは非常に大きいです。大学生活で何か一つ本気で取り組みたいことがある方には、ぜひAFAという選択肢を考えてみてほしいです。

恩河：必ずしも、ファッション好きである必要はありません。クリエイティブなことに幅広く興味がある人にとって、ファッションはアウトプットの媒体の一つになり得ると思います。
AFAには、デザインやクリエイティブの力を軸にクオリティの高いもの作りができる環境があります。何から始めればよいか分からないけれど、クリエイティブな発想でもの作りをしてみたいという方には、ファッションだけでなくグラフィックや撮影ディレクションなどさまざまな分野に関われる機会があります。そうした意味でも、ぜひ多くの方に参加してもらえたらうれしいです。

《詳細》

日程：2026年3月20日(金)〜22日(日)
場所：CONTRAST 〒151-0063 東京都渋谷区富ケ谷1丁目49-4-1F & B1F
時間：11:00 – 18:00
入場：無料

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ファッションショーをしない青学発の服飾学生団体、「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」の現在地はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

青山学院大学を拠点に、デザイン・生産管理・販売まで一貫して手がける服飾学生団体「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」が、レディースブランド「テチチ（Te chichi）」とのコラボレーション企画を実施。学生が思い描く「理想の通勤スタイル」を反映した、オフィスカジュアルのアイテムを発売しました。

本コラボでは、ニットとカラーシャツをレイヤードし、チノパンツを合わせたカジュアルな通勤スタイルをはじめ、ドレープドレスに短丈ジャケットを合わせたスタイルアップが叶うコーディネートなど、洗練されたラインアップを展開。

アイテムは、ジャケットやジレ、トップス、ワンピース、ボトムスの全8型。全国の「テチチ」取り扱い店舗および公式オンラインショップにて販売されています。

「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」は、2018年に設立。「プロと共に最高品質のファッションを作る」をコンセプトに掲げ、学生主体でのものづくりを通して、業界や社会との新たな接点を創出することを目的に活動しています。

「テチチ」は、「アーバンフェミニティ」をキーワードに、上品さや心の豊かさを大切にする女性へ向けたワードローブを提案。洗練されたベーシックアイテムに、女性らしさと遊び心を加え、時代とともに変化し続けるスタイルを展開しています。

▶︎特設サイトはこちら

服飾学生団体「AOYAMA FASHION ASSOCIATION」がレディースブランド「Te chichi」とコラボアイテムを発売。学生が描く、新しいオフィスカジュアルを提案はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

フリーマガジンを手がける学生団体「Uni-share（ユニシェア）」は、四年制大学や専門学校に通う約50人の学生が、プロのクリエイターと協働しながら制作を行う団体。マスからニッチまで多様なテーマをUni-share独自の視点で編集し、そのカルチャーや世界観を幅広い読者へ届けています。

今回リリースされた最新号・Vol.29では、どんな企画が生まれ、どんな思いで制作が進んだのか。Uni-shareに所属する3人に、今号の見どころや団体で活動する魅力について伺いました。

どうしてUni-shareに？

──早速ですが、改めてUni-shareの活動について教えてください。

野本：約1年に1回のペースでフリーマガジンを発行しています。部署は、企業への協賛依頼やクラウドファンディングなどで資金集めを行う「渉外局」、誌面のデザインや入稿作業、フライヤー作成などを行う「デザイン局」、リリースイベントの運営やSNS運用などを行う「広報局」の3部署に分かれています。毎週1回のミーティングを軸に、発行に向けて各部署を進めて動くという流れです。

小林：今年度のざっくりしたスケジュールでいうと、まず4月の新入生の入部前までにコンセプトを決めました。そこから企画出しとブラッシュアップを重ねて、8〜9月に取材・撮影を完了。その後、10月の1ヶ月で編集して年明けに発行するというスケジュール感です。テスト期間で動けなくなる時期もあるので、全体で細かく調整しながら進めています。

──皆さんがUni-shareに入部したきっかけは？

伊勢崎：私は服飾系の学生団体が集まる合同説明会に行く機会があり、Uni-shareの説明を聞いていたら代表の野本さんが堂々としている姿がかっこよくて。それが印象的で新歓に行ってみたら、雰囲気がすごく良くて「ここしかない」と思いました。もともと他の服飾系の団体に入るつもりだったので、自分でも予想外でしたね（笑）。

野本：うれしい。私は小林と同じく4月入部ではなく、2年生の9月から入部しました。何か新しいことを探していた時にたまたま調べたらUni-shareを見つけて。以前から雑誌が好きだったので、そこから興味をもったという感じです。

小林：本来であれば9月は募集していない時期なんですが、インスタグラムにDMを送って直談判しました。そしたら意外にも「来週から来ていいよ」と返事をいただけて。その初回の日が野本も同じだったんです（笑）。偶然すぎてびっくりしました。

野本：他にも雑誌を作るサークルはあったんですけど、美大生・専門学生・私大の学生が一緒になって活動しているのはUni-shareだけだったんです。大学に属さない独立した団体というのも魅力でした。

──直談判はすごい（笑）。入部にあたってハードルはなかった？

小林：勢いで連絡してみたものの、大学に入って初めて何かに挑戦する感覚だったので、勇気を振り絞りましたね。Uni-shareのインスタグラムでは淡々と作品をアップしていて、どんなメンバーがいるのか、どこで活動しているかまでは分からないので、蓋を開けるまでの怖さはありました。

野本：私もそれを覚悟で「とにかく頑張ろう」という気持ちで行きました（笑）。

伊勢崎：私は新歓がとても楽しかったですし、そこで雰囲気もつかめたので特に不安はありませんでしたね。1年生の時は大学で思うように制作できなく、「今年は変えたいな」という気持ちがあったので、気合いだけはありました。

野本：心強い！

──4月以降も募集はしているんですか？

野本：これまではコンセプトが決定するまでに時間がかかっていたんですが、今年はスピード感を持って制作するようになったので、途中入部は受け付けない方向でいきました。

小林：スピード感という意味でも、部員がほどよく集中できるように、常に何かしらの動きを作るようにしています。新歓や定期的なご飯会など、話しやすい雰囲気作りを意識したかな。人数が多いと、せっかくサークルに来ても手を動かさずに友達と喋って終わってしまう日も少なくないです。今年度はそうならないようにしようと幹部で話し合いました。

伊勢崎：私は今年入部したばかりですが、スピード感がある中でも段階を踏んで教えてくださるので助かっています。企画や撮影が波に乗ってくるとやる気が出ますし、皆さん遊び半分ではなく仕事として向き合っているのが伝わるので、こちらも自然と身が引き締まります。

小林：ありがとう。すごくいいことだね。

野本：仕事みたいな雰囲気だよね。みんな真剣にタスクをこなしながらも、楽しんでる、その感じがUni-shareらしいと思います。

Vol.29で実現した初の韓国企画。見どころは？

──2月15日にリリースされたVol.29について教えてください。

小林：今回のタイトルは「危うさ」です。テーマ決めの時に体調を崩している部員が多く、喫茶店で集まった時に「私たち、ちょっと危うすぎない？」という話になったのがきっかけなんです（笑）。企画も「これやっちゃお！」と後先考えずにどんどん進めていくところも含めて、客観的に見ても危ういなと。

野本：その話から、若者って社会とのつながりが薄い分、何かに感化された時に未知の方向に流されてしまう危うさがあると思ったんです。

小林：でも「若いからこその危うさって今しかないんじゃない？」とも同時に思いました。その危うさは輝きも含んでいるんじゃないかと。

野本：それまでは企画書を集めて、2ヶ月かけてコンセプトやタイトルを決めていたんですが、スピーディーに計画性を持って進める中で、全員が腑に落ちたコンセプトが「危うさ」でした。

小林：正直なところ、コンセプトってそこまで難しくする必要はないと思っています。それよりも、そこからどんな企画を作るかの方が大切。誰もが共通認識で持てる分かりやすいものがいいなと。

野本：Uni-shareって読者層を特に決めていなくて。子どもからおばあちゃん・おじいちゃんまでいろんな人に読んでもらいたい。誰が読んで分かるようなコンセプトにしたいという思いもありました。

──今回の企画は？

野本：インタビュー企画とビジュアル企画が3つずつあります。ビジュアル企画にもインタビュー要素を入れたりして、今回は言葉を多めにしています。

インタビューはYouTuberであり歌人でもあるベテランちさんと、ミュージシャンのCwondoさんがYouTubeを始められたのを機に、対談を行いました。さらに、iPhoneから即興で音を作り上げるアーティストで、最近、アニメ『タコピーの原罪』で公式リミックスを制作したvqさんにもお話を伺っています。

そして今回は初の試みとして国境を越え、韓国での企画にも挑戦しました。　”日本文化が好き”と語ってくださったKim boraさん、Kim Gyuriさん、minaさん、YUKIさんの4名のモデルとカメラマンのAnnie Chungさんに協力いただき、撮影・インタビューを行いました。韓国での撮影ではありますが、メイクや雰囲気は、皆さんが思い描く“日本”のイメージに寄せていただき、二つの文化が交わることで生まれる融合や違いを、「危うさ」として表現しています。

小林：特にKim boraさんの出演は急遽決まって、正直震えました（笑）。現場経験も多くないし、言語が通じない環境でどう対応しようかって。でも撮影のカメラマンさんが日本語と韓国語の両方に対応できる方で、現場もすごく温かく、安心して進行できました。

野本：普段なら会えないクリエイターさんと一緒に仕事できるのは、Uni-shareの魅力ですね。私は今回、牧場でのビジュアル企画を担当したんですが、自分の中でやりがいを感じられた経験でした。馬の目を綺麗に取れるカメラマンさんを探していて、カメラマンの野口哲司さんのInstagramを拝見し、馬や人の質感を捉えた表現に強く惹かれ、今回お願いすることにしました。

生命の揺らぎや危うさをビジュアルで表現できたのは、クリエイターさんのおかげです。牧場を借りるにあたって資金面や時間調整など難しいことばかりでしたが、やり遂げた時は達成感が大きかったですね。

伊勢崎：私はベテランち×Cwondo による対談企画の誌面デザインを担当しました。最終的なデザインは先輩が調整してくださったのですが、企画長にデザインを提案してすり合わせながら進めていきました。入稿直前まで文章の推敲が続いて、それに合わせて配置が変わっていくので、全体のバランスを整えるのが大変でしたね。入稿前に2徹したのも、今ではいい思い出（笑）。

──デザインでこだわったところは？

伊勢崎：文章がメインのページだったので、一番は読みやすさを大切にしました。あとは、インタビューがハードな内容だったこともあり、誌面はあえてポップな感じにしたいという企画者の意図を汲んでバランスを調整していきました。Uni-shareに入って今回が初めての制作でしたが、先輩方が優しく教えてくださり、技術的にも学びになりました。

小林：私は、先ほども話した、vqさんのビジュアル企画を担当しました。実際に彼のライブをはじめて見たとき、「この人をライブハウスの外でみてみたい」と思ったのが発案のきっかけ。なので、今回は太陽の光の下で、vqさんの新しい表情を引き出すという企画を考えました。実際に海に入っていただいたりもしたんですよ。

──オファーを受けてくださったんですね。

小林：OKしてくださったのは正直驚きましたが、企画書を送る時は、ほぼラブレターみたいに書いたので（笑）、それが伝わったのかなと思います。

──Vol.29を通して読者にどんな感情やメッセージを伝えたいですか？

伊勢崎：ビジュアルへの感動はもちろんですが、読んでくださった方の新しい思索の助けになったらうれしいです。読者の方が抱えている危うさや、その周りにある危うさを新しい視点から見つめ直すきっかけになればいいなと。

そして今回私達が表現した危うさを通して、同年代の読者の方とゆるい連帯や共感のようなものが得られたら理想です。

ひとりでは完結しない制作の面白さ

──Uni-shareで活動する上で感じる喜びとは？

伊勢崎：今回は企画立案者の方のもとでサポートする立場形でしたが、デザイン作業はほとんど任せていただきました。企画者の方が想像しているイメージに近づけられたり、良いフィードバックをもらえたりした時はすごくうれしくて、それがやりがいになっていましたね。

──デザイン面で言うと、大学でやってることも活かせるのでは？

伊勢崎：そうですね。ただUni-shareは大学以上に自主性を促してくれる場であるように感じていて。大学の課題とは違った視点や方法の実践ができるので、Uni-shareに入ってからの経験はとても勉強になっています。

小林：私も美大に通っていて常に制作をしていますが、Uni-shareでの制作とは全く別物です。私の通っている武蔵野美術大学は学生と教授で完結してしまうことが多くて。その点、Uni-shareは大学の外側にある、社会に近い空気を感じられる場所です。所属するようになってから、物の見方がかなりフラットになりました。

──どんな思考がフラットに？

小林：大学では、自分の内側にある体験を出発点に制作することが多く、社会と地続きではない感覚があるんです。一方Uni-shareでは、クリエイターの方をはじめいろんな方と関わりながら、世の中に作品を出し、フィードバックを受け取ることができる。視野を広げながらクリエイションに向き合える場所だと思っています。

伊勢崎：もちろん大学の制作も学びになるんですが、1人で完結できるものが多く、内に内に入り込んでしまう時もあります。Uni-shareは多くの人と協力しながら進めるプロジェクトなので、そこが魅力ですよね。

野本：私大に通っている私からすると、美大や専門のメンバーが普段から自分の内側と向き合って制作しているからこそ、その考え方やセンスがすごく刺激になってる。逆に四年制大学では共有できない視点にも出会えるので、純粋に楽しいですね。

小林：他の服飾系の学生団体と掛け持ちしているメンバーもいるんですが、その部員から話を聞くと「Uni-shareはいい意味で色が決まってない」と感じることがあります。他の団体では、確立された色があって、その色に自分も混ざりたいから入る感覚があると思うんです。でもUni-shareは、どちらかというと白に近い（笑）。色が決まっていないからこそ、入ってから自分のやりたいことを形にできるんだと思います。

野本：だからこそ、一人ひとりが自分のカラーを持ち寄っていて、混ざり合うというより、メンバーの数だけ何通りもの魅力が広がっていく場所なんですよね

ラスト号を前に見つめる現在地

──今、団体として抱いている課題感は？

野本：フリーマガジンの設置場所に課題を感じています。現在は、書店や古着屋を中心に置かせていただいているのですが、今回は1000部まで増刷したこともあり、これまで以上に幅広い場所に届けたいと考えています。新しい層の方にも手に取っていただける機会を増やしたいですし、韓国企画も実施したので、韓国でも展開できたらいいなと思っています。

──今後、挑戦したいことは？

伊勢崎：今年は代官山のSALOONで音楽イベントを開催しました。Uni-shareとして、リリースイベント以外で主催するのは初めての試みです。平日だったこともあり集客が不安だったんですが、おかげさまで大盛況で、収益も得られました。資金面で課題を抱えていた中で、新しい領域に踏み出せた実感があったので、また別の形でもリアルイベントに挑戦してみたいです。

個人的な野望としては、誌面に漫画やイラストのコーナーを作って企画の幅を広げたいという気持ちもあります。そういった厚みが加わることで、一冊としての魅力もより強くなるはずです。

──2人はこの号で引退ですが、Uni-shareに入ってどんな変化がありましたか？そして、最後の号に向けての意気込みを教えてください。

野本：Uni-shareに入って代表になってから、責任感が芽生えました。ふわふわしていた自分が、少しずつ地に足がついた人間に変わっていくのを自分自身でも実感しています。だからこそ、この号は多くの人に手にとっていただきたいですし、話題になってほしい。そのためにも、リリースに向けてやるべきことを着実に進めていくつもりです。

小林：顔つきが本当に変わったもんね（笑）。

野本：責任感って、もう少し噛み砕くと「自分の芯がひとつ増えた」ような感覚なんです。これまでは自分軸があまりないタイプで、少し適当なところもあったんですが、芯の太いメンバーたちに囲まれて、その影響を受けながら成長できたんだと思います。

小林：私は逆に、この団体に入って柔らかくなりました。振り返ると、大学生までの学生時代、ずっとどこか「ここじゃない」という感覚があって。でも、生まれて初めて「この場所は息ができる」と思えたんです。そこでやっと落ち着けたのかなという気がしています。

野本：私も、Uni-shareが大切な居場所になったのをすごく感じる。部員一人ひとりがパズルのピースだとしたら、それがピッタリ噛み合ったような感覚。

──今後Uni-shareに入部を考えている方にメッセージをお願いします。

野本：Uni-shareは、世界を縮小したような団体です。良い意味で色がなく、様々な感性を持った人が集まります。好きなものがある人でも、まだ見つかっていない人でも誰でも受け入れてくれる場所です。ここで出会う人と経験があなたの人生の軸になるかもしれません。ぜひ入部をお待ちしております！

vol.29コンセプト
「危うさ」
私たちが生きている“今”は、絶えず変化のただ中にある。
夢と現実のあいだで揺れる進路、他者と自己の境界線、自言と劣等感のせめぎ合い。
「ちゃんとしなきゃ」と思いながらも、どこかで崩れたくなる、寄りかかりたくなる。
そんな大学生・若者が持つ、“不安定さ”や“未完成さ”こそが、私たちの危うさだ。
それは決してネガティブなものではない。
むしろ、その中にこそ、今しかない輝きや衝動、そして創造性が潜んでいる。
本号では、そんな危うさをさまざまな角度から見つめ、表現していく。

〈企画紹介〉
ーJENGA 
ひたすらに積み上げ続ける。 倒れたか。 また積み直せばいい。

ーアウフヘーベンの少女たち
朝、何気なく開いたスマートフォンの画面に魅了される。
それは海を越えた、時差のない隣の国。 二つの世界は交わらないようで、静かに溶け合っていく。 そんな ” 惹かれ合う瞬間 ” を追う小さな旅。

ーベテランち ×Cwondo 
独自の感覚で時代を見つめるふたりが、 「危うさ」を考える。
「しんどさ」とともに現在、そしてその先を生きる若者たちへ。

ーSee/Seen
「窓」は、内と外を分ける境界でありながら、 二つの視点を共存させる装置でもある。 「人」もまた、見る者であり、見られる者だ。 
一致しない視線のあいだに、私たちは生きている。

ー生命が揺れる 
生命の揺らぎに触れたとき、私たちは生きていることを自覚する。

ーこどもなおとな 
誰しも、ある日突然こどもからおとなにはならない。 
その途中には曖昧で、不安定な状態がある。
そんな存在をここでは「こどもなおとな」と呼んでみる。

ーvq 
vq は、薄暗いライブハウスの光の中にいた。
音に包まれ、青白いスマホの灯とともに、ひとり立っている。 
私たちはふと思った。 太陽の光の下で、 彼の肌と瞳はどんな色をしているのだろうと。

ーゆにしぇあ 
もっと編集部の内情や趣向が見えていてもいいのでは？ 
雑誌を通した交流があっても良いのでは？ 
当たり障りない話をしたって、 その当たり障りない話をさらけ出したっていいのでは？

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ファッションフリーマガジン「Uni-share」最新号Vol.29『危うさ』を解剖。 Kim bora、ベテランち、vqらを筆頭としたクリエイターとの制作に迫る。はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

フリーマガジンを刊行する学生団体「Uni-share」が、vol.29の発行を記念した展示会およびリリースパーティーを、2月15日(火)にWPÜ SHINJUKUにて開催します。

最新号となるvol.29では、「夢と現実」「自信と不安」のあいだで揺れ動く若者の不安定さを「危うさ」として捉え、誌面全体で表現。団体として初となる韓国企画も盛り込まれ、Uni-shareならではの世界観をより一層詰め込んだ一冊に仕上がりました。

当日は、写真を中心とした展示会を開催した後、アフターパーティーを実施。誌面でインタビューを行った、5人組バンド「No Buses」のメンバー・Cwondoをはじめ、オーディオヴィジュアルアーティスト・tamanaramen、シンガーソングライター・rilium、アーティスト・松永拓馬が出演します。

首都圏の総合大学や美術大学、専門学校に通う学生らによって制作されている「Uni-share」は、「ファッションで深める、繋げる、広げるセカイ」を理念とし、年に2回フリーマガジンを刊行。幅広い世代に向けて、価値観や独自の視点を発信しています。なお、フリーマガジンは渋谷・原宿を中心に、カフェや書店、サロンなどにて手にとることができます。

 

【日時】
・2026年2月15日（日）
・Exhibition 12:00-16:30
・After Party 17:30(Start: 18:00)-21:00
【場所】
WPÜ SHINJUKU
https://hotel.wpu.co/ja/shinjuku/gallery/

フリーマガジンを刊行する学生団体「Uni-share」が、vol.29リリースイベントをWPÜ SHINJUKUで開催。Cwondo、tamanaramenらが登場はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

服飾学生団体のクリエイション現場に迫るインタビュー連載、第4弾。今回は、古着のみを用いたファッションショーを年に一度開催している学生団体「Replus（リプラス）」に話を伺いました。

新品を作らず、既存の服を再編集するという選択。その先に、どんな表現を見出しているのか。2月に開催されるファッションショー『back in vogue』を控えたメンバーに、タイトルに込めた思いや、活動を通して見えてきたリプラスならではの魅力を聞きました。

「自分たちでつくる」を貫く制作体制

──まずは、Replus（以下、リプラス）の活動内容について教えてください。

榎本：年に1度、古着を使ったファッションショーを開催している、青山学院大学主催のインカレサークルです。ファッションショーのほかにも、作品撮りや他団体と共催したフリーマーケット・音楽イベントの企画・運営などさまざまな活動を行っています。

部員数は20名ほど。他の服飾団体と比べると少人数ですが、所属しているのは大学生や大学院生、美大生などバックグラウンドはさまざまです。少数体制だからこそ、ファッションショーでは1人が2ルック以上を担当することもあり、一人ひとりが裁量権を持って活動できる環境です。

──ファッションショーは、全て古着のみで構成されているんですか？

柴嵜：ショーで使用するアイテムは、基本的に古着かリメイクしたものです。一からデザインして新しく制作することはありません。

──スタイリングやルックに使う古着は、どのように調達しているんですか？

榎本：毎年、古着屋さんからいただくことが多いですね。ほかにも、自分たちで集めたものやリメイクしたもの、さらに新品ではないものの行き場を失ってしまった衣料品を、セレクトショップをはじめとしたアパレル企業さんからご厚意でいただくこともあります。

──1年間の活動の流れは？

柴嵜：10月頃から、古着や使用されなくなった衣料品を企業から集めたり、モデルのキャスティングを進めたりと、本格的にファッションショーの準備が始まります。

普段の活動は、作品撮りとファッションショーに向けたミーティングが中心ですね。部員同士の交流を深めるために、みんなでフリーマーケットに足を運ぶこともあります。

──団体としては、どんな体制で活動しているのでしょうか？

榎本：スタイリング部署と演出部署の二つで活動しています。スタイリング部署は、ファッションショーでのルック組みを担当。演出部署では、ショーの音源制作などの演出、SNSコンテンツの編集、グラフィックの制作などを行っています。

私たち幹部も、運営をしながら両部署に所属しています。演出部署の中でも、グラフィックが得意な人、写真が得意な人など個性はさまざま。それぞれが自分の好きなことを突き詰められる環境は、リプラスならではだと思います。

柴嵜：私は入部した当初、カメラはほぼ初心者でした。でも、作品撮りをしている先輩たちを間近で見ているうちに興味が湧いてきて、自分でも撮影するようになったんです。写真のスキルがついたのはもちろん、自分が撮った写真がSNSにアップされるのは、純粋に楽しいです。

──基本的には全て部員のみで行っているんですね。外部のカメラマンやヘアメイクに依頼することは？

榎本：ファッションショー当日にヘアメイクをお願いすることはありますが、撮影に関しては基本的にメンバー内で完結しています。

昨年は、カメラを学んでいる先輩が中心となって、撮影技術を教えてくれました。普段から作品撮りを重ねて技術を引き継いでいくことを意識していますし、もしその年に経験者が少なくても、「やってみたい」と手を挙げてくれるメンバーがいる。そういう点でも、恵まれた環境だと感じています。

柴嵜：私たち自身も、先輩から教えてもらって今があります。だからこそ、後輩には背中で見せるというよりも、どんどん前に出て自分のやりたいことに挑戦してほしいと思っています。

ファッションショー『back in vogue』は旅がモチーフ

──2月に開催されるファッションショー『back in vogue』に込めたテーマや思いを教えてください。

榎本：「未知の世界に行く」＝「旅」をテーマとして掲げています。ファッションの流行は、過去のトレンドが形を変えながら、何度も再構築されてきました。

そう考えると、未来はまったくの未知ではなく、過去と現在が混ざり合いながら存在しているものだと思うんです。そういった「時の循環」を旅というモチーフに重ね合わせたのが『back in vogue』というタイトルです。

柴嵜：旅をテーマにしつつ、同時に「まだ何も知らない世界に行く時、自分は何を持っていくか」という問いを投げかけています。そのメッセージを表現するために、すべてのルックに必ずバッグを持たせています。

榎本：空間演出でも、その世界観を反映させています。バッグを装飾として配置したり、インビテーションを搭乗券風のデザインにしたり、音源には機内アナウンスや空港のざわめきを取り入れたり。細かな仕掛けを随所に散りばめる予定です。

──実際に組んだスタイリングは？

榎本：私自身、旅を想像した時に、「お気に入りの洋服を着て行きたい」という気持ちと、心配性な性格があって（笑）。なので、大きめのトランクを持たせて、ジャケットやきれいめなアイテムを組み合わせたスタイリングにしました。

柴嵜：私はまだ製作途中ですが、キャンプが好きなので、大きなリュックや汎用性の高い寝袋を取り入れる予定です。羽織としても枕としても使えるようなアイテムを、つぎはぎでポケット状に仕立てることも考えています。同じテーマでも、人によって解釈はさまざまなので、一つのショーの中で幅広いスタイリングをお見せできると思います。

──ファッションショーで、特に注目してほしいポイントは？

榎本：まずは会場ですね。中央に光が落ちるような特徴的な構造になっているので、その空間の使い方にはぜひ注目してほしいです。会場選びにはかなり苦労したので、演出も含めて見ていただけたらうれしいです。

あとは、全てのルックに使われているバッグ。それぞれの解釈や色が、そこに集約されています。荷物をたくさん詰め込む人もいれば、最小限の人もいる。スタイリングだけでなく、その背景まで想像してもらえるようなショーにしたいと思っています。

──会場選びには特に力を入れたんですね。

榎本：昨年度はアパレル企業・ワールドの本社ロビースペースを使用させていただきました。テラススペースから中に入ってきてウォーキングする導線がとても印象的で、今年はその演出をどう超えるかが課題でした。

服飾系の学生団体が多くある中で、わざわざリプラスのショーに足を運んでくださるからこそ、昨年来てくださった方にも、初めての方にも、目新しいものを見せていきたい。そのために、まず観客の方の心をつかめるのは空間だと考えました。

柴嵜：今年はより一層ワクワクできるような空間にしたいという思いは強かったですね。何度も内見や話し合いを重ねて、納得のいく会場を見つけられたので、今は一安心です。

──準備を進める中で、苦労したことはなんですか？

榎本：部員全員でテーマの解釈をそろえることです。かなり概念的なテーマだったので、具体的なイメージがつかめない人もいたり、逆に解釈が固まりすぎてしまう人もいて。議論が白熱しすぎて、モチベーションが下がりかけてしまった時期もありました。そういった中で、チームをまとめていくのは大変でした。

柴嵜：シリアスな雰囲気になりすぎないように、意識的に日常会話を増やすようにしていました。個々が本当にやりたいことを理解したうえで、それをどう形にしていくのかを考えるのが、私たち幹部の役割だと思っています。そうして向き合ってきた結果が、今のチームの一体感につながっているのではないでしょうか。

ファッションは服を作ることだけじゃない。その先に見える可能性とは？

──そもそもReplusを知ったきっかけは？

柴嵜：大学1年生の時に、RINKANスナップで、当時リプラスに所属していた方が掲載されている投稿を目にしたのがきっかけです。そこから団体について調べてみたところ、服飾系の大学に通っていなくても参加できるインカレサークルだと知りました。普通の大学生活では経験できないことができるのでは、という期待感を持って入部を決めました。

榎本：私は柴崎と地元が同じで幼馴染なんです。SNSでつながっていたので、「一緒に新歓行ってみない？」と声をかけてもらったことがきっかけでした。

将来はファッションに関わる仕事がしたいと思っていたものの、当時はアパレル業界といえば販売職くらいしかイメージが湧かなくて。サークルに入ることで、進路の選択肢を広げられるのではないかと思い、入部しました。

他の服飾系サークルだと、スクールに通いながら1年間しっかり制作に取り組む必要がある場合が多いですが、リプラスは「服を作らなくてもファッションに関われる」「無理なく続けられる」という点で選ばれることが多いです。

柴嵜：一から服を作らずとも、古着だけでファッションショーを作り上げられる。そのこと自体が、「服を新しく作らなくても、選び方や組み合わせ次第で新しい価値や感動は生み出せる」というメッセージになると考えています。それが、リプラスの一番の魅力です。服を作ることに限らず、ファッションにはさまざまな可能性がある、そのことをショーを通して伝えていきたいです。

──なぜ、リプラスでは古着を軸にした表現を続けているのでしょうか？

榎本：大きな理由は、メンバー自身が古着そのものの魅力に惹かれているからです。それに加えて、ファッションショーで表現するうえでも、古着は必然的な選択だと感じています。新品にはない風合いや、かつて誰かが着ていた時間や記憶を纏うことによる奥行き。さらに、偶然の出会いから生まれるスタイリングは、「どう着るか」「どう見せるか」という創造性を最もダイレクトに表現できる素材だと思っています。

──活動を通して、どんな達成感ややりがいを感じていますか？

榎本：自分のスタイリングが完成した瞬間が、一番達成感を感じました。昨年、初めてファッションショーに参加したのですが、会場に見合うものが作れるか不安でしたし、専門的にファッションを学んできたわけではないので、「自分の感性が受け入れてもらえるのか」という葛藤もありました。

でも、リプラスでは部員同士でスタイリングを否定することはありませんし、いいところを言葉にして伝えてくれます。そのおかげで、自信を持って取り組めました。リプラスに入って良かったなと心から思えた瞬間でした。

多様なスタイルが共存する世の中をつくりたい

──代表としてリプラスを率いたこの一年を振り返ってみていかがでしたか？

榎本：サークルの運営が、想像以上に難しいものだと実感した1年でした。強制参加ではないので、部員のモチベーションを保つのが本当に大変で。そんな中で、どうすれば「何かやりたい」と思ってもらえるのかを考え続け、試行錯誤を重ねてきました。

──代表を務める中で、特に成長できたと感じる点はありますか？

榎本：コミュニケーション力と、先を見据えて動く力ですね。部員とのやり取りだけでなく、アパレル企業をはじめとした外部の方と関わる機会も多くありました。学生でありながらも、社会と接点を持ちながら活動できたことは、とても大きな経験だったと思います。

──今年で引退ですが、集大成となる最後のファッションショーに向けた意気込みを教えてください。

柴嵜：ファッションショーそのものはもちろんですが、音楽やインビテーション、ルックなど一つひとつの要素からショーの世界観を感じ取ってもらえたらうれしいです。

榎本：ここまで準備してきたので、会場に足を運んでいただけるだけでも本当にありがたいです。その上で、まずは純粋にファッションショーを楽しんでほしいですね。

私たちがこだわっている部分を全て言葉で説明することはできないからこそ、「こんなところまで考えて作っているんだ」という気づきを、観客の方に感じ取ってもらえたらと思っています。

──リプラスでの経験を、今後どう活かしていきたいですか？

榎本：昨年、音楽イベントを開催した際に、ファッション以外の分野の方と出会う機会が多くありました。SNSで見かけるような個性的なスタイルを当たり前に楽しんでいる人たちと同じ空間にいたことで、多様性が自然に受け入れられている場が確かに存在するんだと実感できたんです。

その経験を通して、「いろんな人がいて、それぞれ違うファッションをしているのが当たり前な世の中を作りたい」という新たな夢が生まれました。

もともとファッション業界を志望していましたが、こうした目標を持てたのも、リプラスでさまざまな経験をし、多くの人と関わってきたからこそだと思います。

──最後に、これからリプラスへの入部を考えている方にメッセージをお願いします。

榎本：「服が好きな友達を増やしたい」「服は好きだけど、アパレルで働くのは少しハードルが高い」といったシンプルな理由でも大丈夫です。まずは深く考えすぎず、一度リプラスに足を運んで、雰囲気を知ってもらえたらうれしいです。

柴嵜：規模が大きくない分、自分が関わったものをすぐに形にできる場所です。「経験がないけど大丈夫かな」と不安に思っている方こそ、ぜひ挑戦してみてほしいです。カメラやスタイリングなども含めて、みんなで一緒に取り組もうという空気感のあるサークルなので、私たちと一緒に成長していきましょう！お待ちしています！

《詳細》

日程：2026年2月11日（水・祝）
場所：〒166-0012 東京都杉並区和田3-11-2 コラボキャンバスヴィラート（東京メトロ丸ノ内線「東高円寺駅」下車 徒歩約10分）
時間：1部 13:00～、2部 15:00〜
入場料：1000円
入場は予約制

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READY TO FASHIONでは、新卒や中途、アルバイト、副業などの雇用形態のほか、多種多様な職種・業種軸で自分にあった仕事をお探しいただけます。

気になる企業があれば企業とチャットで直接話せるので業界に興味ある人は、ぜひREADY TO FASHIONをご活用ください。

服飾学生団体「Replus」に聞く、古着でつくるファッションショーの裏側はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

明治大学発のファッションサークル「明治大学デザイン研究部 / DE.KE.NN」が、2025年12月6日(土)にPLAT SHIBUYAでファッションショーを開催します。入場は無料。

明治大学デザイン研究部は、1953年に建築学生の表現の場として設立された明治大学公認のファッションサークル。ファッションショーにとどまらず、映像・音楽など多様な媒体を通した表現活動を行っています。

11月1日に行われた学園祭「生明祭」では、本公演のプレショーを実施。「役目を終えるその先までデザインする責任」を問い、芸術が持つ新たな可能性を提示しました。

古着のリメイク作品を中心に制作する同団体。12月の本公演『めぐる』では、服が生産され、役目を終えた後も再利用されながら新たな価値を生む、持続可能な循環への問いを投げかけます。

コンセプトは「未完成の完成系」「生と死」。結果主義が強まる現代において、完成に至るまでの過程そのものが芸術であり、自己表現であるという視点を示します。当日は、約20体のルックを発表予定。衣装制作から舞台演出まで部員自らが手掛け、異なるバックグラウンドを持つメンバーの感性が交わることで、「めぐる」の世界観を表現します。

 

《詳細》

日程：2025年12月6日 (土)
時間：第一幕　開場13:30/ 開演14:00　第二幕　開場15:30/開演16:00
場所：PLAT SHIBUYA (東京都渋谷区神宮前6-27-8 エムズ原宿B1)
▶︎明治大学デザイン研究部公式インスタグラム

＊入場無料
＊予約制（画像QRコード または 下記フォームより）
予約フォーム：https://forms.gle/99VbTPuuYwG9sq1s5

明治大学デザイン研究部 / DE.KE.NNが12月にPLAT SHIBUYAでファッションショー『めぐる』を開催はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

「アンリアレイジ（ANREALAGE）」の森永邦彦や「ケイスケカンダ（KEISUKE KANDA）」の神田恵介などのデザイナーを輩出した日本最古のファッションサークル、「早稲田大学繊維研究会」。

「ファッション業界を取り巻く現状に対して、ファッションを媒体として批評を行う」ことを活動の軸とし、年に1回ファッションショーを開催しています。今回は早稲田大学繊維研究会の4人に、12月に行われるファッションショーに込めた思いを伺いました。

SNS時代の速さに、どう向き合う？

──今回のショーのテーマを教えてください。

柳：コンセプトは「変わりゆくなかで、変わらないもの」。SNSの発達などで、流行のサイクルがますます早くなっています。この流れを止めることはできませんが、消費の加速により、ファストファッションの刹那的な消費や模倣品の蔓延など見過ごせない問題も多くあります。

学生団体という立場で本当に批評するべきなのは、トレンドの早さそのものではなく、それにどう向き合うかという個人の姿勢。無意識のうちに流されて、大切なものを見失ってしまうこともある。その危うさを感じたことが今回のコンセプトにつながりました。

──例年と違う点もあるそうですね。

柳：そうなんです。これまでは社会全体への批評的な視点が中心でしたが、今回は来場いただいた個人に向けて問いかける構成にしました。変化に無批判に従うでも、拒むでもなく、社会が加速していく中で自分の軸を持ち、能動的に関わる意思を示したいと考えています。

──社会批評ではなく、個人に焦点を当てた理由は？

柳：学生団体として活動していますが、それ以前に私たち個人は社会に生きて生活しています。団体としての視点と、いち学生としての日常的な視点、その両者を掛け合わせて個人に語りかける方が結果的に社会により良い影響を与えられるのではと考えたんです。

──このテーマに至った原体験はあったんですか？

柳：身近でも手軽さからファストファッションを買う人が多いです。でもその積み重ねがコンテンツを形骸化させてしまうと感じていて。逆に言えば、個々の意識の変化が社会を変えられると思いました。

道盛：個人的に、このコンセプトには「社会を見る視点」と「人に寄り添うという視点」、2つの見方があると思っています。資本主義を想起させるような物質的な空間があり、その中で生きる僕たちを認める優しさがあるのに共感しました。そういった考えが演出にもつながっています。

──タイトル『それでも離さずにいて』にはどんな意味が？

柳：目まぐるしい変化の中で大切なものを見失いそうになっても、それでも自分の大切なものを離さずにいてほしいという願いを込めています。ひらがなの柔らかい流れの中に、「離」という直線的かつ密度の高い漢字を取り入れることで、流動の中に立つ毅然とした態度や意思を表現しました。

また、大切なものを手放さないという思いから、全ルックで手持ちアイテムを制作するという共通ルールを設けています。タイトルの言葉選びも、その姿勢を反映させています。

変化の中で揺るがない気持ちを形に

──制作したルックに込めた思いを教えてください。

長野：私が制作したルックはスーツの形式を模しつつ、全体を透ける素材で包み、均等なチェック柄を散りばめています。誰かの視線を常に意識しながら生きる昨今の社会では、あらゆる場面において合理性や完璧さが求められがちですが、不器用でも自分であることを守りたい。その朗らかな抵抗を表現しました。

ためらいや余白を抱えながら、柔らかく構え続けることも確かな意思だと思うんです。社会のスピードに完璧に合わせるのではなく、笑って受け流しながら自分の歩幅を守っていけたらと。

──発想の原点は？

長野：ちょうど就職活動の時期とも重なったこともあり、代表を務める中で「自分には代表らしい威厳がない」と落ち込むことも多くありました。これまでの「代表像」に強い憧れがあったので、その姿に少しでも近づきたいと思っていました。もちろん、今でも変わらず憧れの存在ですが、活動を続けるうちに、過去の代表像に無理に合わせる必要はないと気づいたんです。ありのままの自分でいればいいし、私らしさが今年の代表らしさにつながればいいなと思えるようになりました。

また、洋服が好きで集まったこの繊維研究会にも等しく就職活動の時期が訪れ、いずれはリクルートスーツに身を包むことになります。その現実を見つめると、スーツというテーマを繊維研究会で扱うことには、どこか皮肉さを感じつつも、同時にごく自然な流れのようにも思えたのです。好きな服を追いかけてきた私たちが、あるタイミングで同じ形に包まれる。そのわずかな違和感や寂しさを、そっと残しておきたい。そんな思いも、この作品の背景にあります。

──手持ちのバッグにも意味が？

長野：スーツに合わせてビジネスバッグをモチーフにしました。ルックの均等なチェック柄とは対照的に、表面の刺繍は不均一な縫い目を作り、柔らかく温かい姿勢を表しています。

──柳さんのルックについても教えてください。

柳：私は今回初めてメンズルックに挑戦しました。人との関係性は常に変化したり揺れ動いたりするものですが、かつて大切だった気持ちは確かにあった。その記憶をなかったことにせず、静かに持ち続けたいと思ったんです。

今回は特にディテールにこだわっています。バッグには4つのバラのモチーフをビニールで閉じ込め、赤い毛糸で手縫いのロックをかけることで、真空パックのように大切な思いを自らの手で保存するという意味を込めています。

4つのバラは「死ぬまで気持ちは変わりません」という花言葉にかけています。背中にあるベージュ生地で作った色褪せたバラとは対照に、大切な感情は真空パックの中に残っている、そんなストーリーにしました。

また、ボタンホールをかけ違えることで、関係性のねじれや別れを表し、赤い毛糸を垂らすことで途切れた運命の糸を象徴しています。別れも否定せず、ありのまま受け止めることをデザインに落とし込んでいます。

──発想の原点は？

柳：個人的な話ですが、環境や価値観の変化によって、大切な友人と距離が開いてしまった経験があって。『you are preserved in me』というタイトルには、枯れても心の中に残る存在を重ねました。個人的なエピソードからインスピレーションを得ているからこそ、来場いただいた方にもどこか共感していただける部分があると思っています。

──細部までこだわりが詰まっていますね。

柳：はい。特に96個にわたるボタンの縫い付けはとにかく大変でした（笑）。パンツや袖にプリーツを施したり、手縫いの箇所を多くしたりと、いつも以上に丁寧に仕上げています。

──初めてメンズルックを制作したのはなぜ？

柳：これまでファッションショーではウィメンズルックで統一していましたが、今年はメンズルックも幅広く取り入れることになりました。私自身も体格やスタイリングの面で新しい挑戦ができると思い、メンズルックを選びました。

とはいえ、「メンズルックだからかっこいいデザインにしよう」という規範的な意識は特段持たずにいたので、自分らしさを自然に反映したデザインになったと思っています。

──皆さんにとって「離さずにいるもの」は何ですか？

杉田：思考し続けること、言葉にすることです。思っているだけでは不確実なものになってしまうので、情報を咀嚼して思考して自分の言葉で表すことを大切にしています。

道盛：僕は……よく寝ること（笑）。

柳：めっちゃいい（笑）。

私にとってはものを作る力ですね。環境が変わっても、それだけは変わらない魔法のようなものだと思っています。

長野：私は作り手としての誇り。トレンドや評価に流されず、自分の作りたいものを作り続けていきたいです。

変化の中にたち続ける個人を描く

──会場を科学技術館にした理由は？

道盛：無機質で人工的な空間が、ルックの人間らしさをより際立たせると思ったからです。

長野：配線やパイプが絡み合った天井とシャッターのある壁が、「変わり続けるもの」としての資本主義チックな世界観を演出できると思ったんです。

──照明の演出にも工夫が？

道盛：地下鉄が通り抜ける光をイメージしています。経済の象徴である地下鉄が通過する中でも、変わらない自分で立ち続ける姿を重ねました。

長野：ルックブックは道路や歩道橋などでも撮影したのですが、それもまさに同じイメージ。社会インフラの直線的な背景の中で、軸のある個人を演出でも表現しています。

柳：タイトルの「離」という漢字も、そのような直線的なイメージをもとにしています。

杉田：ロケ地の選定も今まで以上に苦労しました。これまでは美術館など施設内で撮影することが多かったのですが、今回は生活感のある希望ヶ丘団地でルックブックの撮影を行いました。

長野：スタイリッシュな雰囲気を保つために、さまざまな選択を重ねました。ここ2年ほどは柔らかい雰囲気のルックやショーが多かったので、今年は2021年以前の早稲田大学繊維研究会に回帰し、直線的で幾何学的なイメージをキーワードにしています。

──限られたリソースの中でここまで作り上げるのは大変ですよね。

杉田：そうですね。リソースは限られているので、企業の方から協賛やサービス連携という形で多くの協力をいただきました。音響・照明や映像、ヘアメイクに関してもプロの方が協力してくださり、一緒に形にしていくことができました。そうした温かい支援があって、今のクオリティが実現できていると思います。

柳：ルックブックの撮影では、カメラマンやビデオグラファーの方のプロとしての姿勢から学ぶことが多かったです。移動や撮影の合間にお話しする機会もあり、クリエイターとしての生き方そのものが刺激になる。そうした出会いも含めて、貴重な環境だと実感しています。

ファッションショーの魅力を多くの人に知ってもらいたい

──ファッションショーを控えた今の心境を教えてください。

長野：『それでも離さずにいて』というタイトルのように、来場してくださった方が自分の大切なものをそっと思い出して帰っていただけるようなショーになればうれしいです。悩みながら積み上げてきた思考や作品が、ひとつの舞台に集まっていく光景は、毎年のことながら特別で、この活動ならではの醍醐味だと感じています。積み上げてきたものを確かに届けられるよう、最後まで走り抜けたいですね。

柳：今回のショーではクリエイションの多くに携わらせていただきました。タイトルの一文字一文字やルックの細部にまでこだわったように、あらゆるところにたくさんの意味やこだわりを詰め込んでいます。その集積としてのショーを迎えられるのを、わたし自身とても楽しみにしています。

杉田：私達3年生は今回のショーで引退です。代表の長野と共に、4月から「この1年間を捧げよう」という思いで取り組んできました。クリエイションはもちろん、それ以外の面においても妥協せず、1ミリでもクオリティを上げるためにできることは全てやりたいです。

ファッションショーはすごく楽しい場所なのに、業界全体としてその数が減りつつあります。ファッションショーが好きな人が増えたら、ショーの数も増えると思うので、その魅力を体感していただけたら幸いです。

──今後、団体として挑戦したいことはありますか？
道盛：今後のことは、メンバーと意見を交わしながら、より良い形を模索していけたらと思っています。個人的には、さまざまな人や価値観との出会いから得た学びを団体の活動にも還元できたら理想ですね。

《詳細》

日程：2025年12月7日（日）
場所：科学技術館9号館
時間：①14:00〜 ②17:00〜
観覧料：1,000円（完全予約制）ご来場いただいた方にルックブックをお配りします

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社会が加速していく中で自分の軸を持ち続ける。早稲田大学繊維研究会ファッションショー『それでも離さずにいて』はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

複数の服飾専門学生によって結成された団体「conexion」が主催するファッションイベント「conexion2025 vol.01」が、8月11日(月)に大阪・オービックホールにて開催されます。

「conexion」は、若手ブランドやクリエイターが、展示会やポップアップに出展する際の高いハードルを低くすることを目指して立ち上げられました。

同団体は、若者たちが熱量やアイデアを発信できる場を作り、出展者・来場者・業界関係者の三者が交わることで新たな出会いやビジネスの種が生まれるプラットフォームを提供しています。

初開催となる今回のイベントでは、学生や個人クリエイターでも参加しやすいよう、出展費を抑えた価格設定を採用。資金的なハードルにより発信の場に立つことが難しかった層にも、一歩を踏み出せる機会を提供します。

出店者数は50組、来場者数は1500人以上を見込んでいます。Z世代を中心とした、ファッション感度の高い若者や学生、ファッション系インフルエンサー、バイヤーやプレスなどの業界関係者の来場が期待されます。

当日は、若手ブランドや個人クリエイターによる合同ファッションショーをはじめ、ブランドやショップによるポップアップブース（物販・展示・体験型コンテンツなど）、さらにはゲストアーティストによるライブパフォーマンスなど、多彩な企画が展開されます。

《conexion2025 vol.01 詳細》
日程：2025年8月11日（月・祝日）12:00〜18:30（ファッションショー1部：14:00～、2部：16:30～）
会場：オービックホール（大阪府大阪市中央区平野町４丁目２−３ オービック御堂筋ビル）
入場料：無料（ファッションショーは座席予約制）

服飾専門学生によるファッションイベント「conexion2025 vol.01」が8月11日に大阪で開催はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

フリーマガジンを制作・刊行する学生団体「Uni-share（ユニシェア）」が、8月4日(月)に音楽イベント「UniUni 28.5」を代官山のSALOONにて開催します。

今回のイベントは、今年12月に刊行予定のvol.29号に先駆けた、「28.5プロジェクト」の一環として企画されたもの。当日は、JUN INAGAWAをはじめとするDJらが出演。入場料は2,500円（ワンドリンク付き）。

「Uni-share」は「新しい視点を宿す」をテーマに、年2回フリーマガジンを発行。リリースに伴い写真展やイベントの開催などを行っています。また、フリーマガジンの企画・取材・編集から、プロのカメラマンやモデル、スタイリストのキャスティングまで、すべての工程を学生自らが手がけています。

《イベント詳細》
開催日時：2025年8月4日（月）
開催時間：22:30〜5:00
会場：SALOON daikanyama（〒150-0021 東京都渋谷区恵比寿西１丁目３４−１７ Za-Houseビル B3F）
入場：2,500円（1ドリンク付き）

DJ：
JUN INAGAWA 
EICHI ABE 
glico 
RYUSEI 
hirakata 
roomquake 
Yuta Noda（Uni-Share） 

laser：hajime niiya 

フリーマガジンを制作・刊行する学生団体「Uni-share」がvol.29リリースに先駆けた音楽イベント「UniUni28.5」を代官山のSALOONで開催はREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。

アパレル業界におけるサステナブルなコットン栽培について学ぶセミナー「SUSTAINABLE COTTON JOURNEY 2025」が6月6日(金)にTRUNK(HOTEL) にて開催されました。

本イベントは環境保全団体である、世界自然保護基金ジャパン（WWFジャパン）主催のもと、株式会社TSIホールディングス、スタイレム瀧定大阪株式会社、タキヒヨー株式会社、学生団体「やさしいせいふく」や「carutena」が登壇。それぞれの目線からコットンにまつわる社会課題やこれまでの取り組みについて語られました。

オーガニック栽培の定着に向けた各社の取り組み

アパレル産業は、石油産業に次いで世界で第2位の環境汚染産業と言われています。特にコットンの栽培においては、①水の汚染・枯渇、②遺伝子組み換えによる生態系への影響、③児童労働や低賃金労働、④農薬散布による生産者の健康被害など、さまざまな社会・環境課題が指摘されています。

こうした問題を解決していくには、作り手が置かれている労働環境のみならず、原材料の生産から製造、流通までサプライチェーン全体の透明性と責任が求められます。

本イベントでは、まず日系アパレル企業3社による、インドでのサステナブルなコットン栽培の取り組みが紹介されました。

インドで現地法人を設立しているスタイレム瀧定大阪は、農家がオーガニック農法へと転換できるよう自立支援を行っています。

また、オーガニックコットンが普及しづらい理由として「土壌がオーガニックの基準を満たすまでには一定の期間が必要なため、転換期の作物がオーガニックとして認められず、市場で十分な認知や評価がされにくい」という難しさも共有。そうした課題に向き合いながら、オーガニック農法が根付くまでの継続的な活動とさらなる拡大を目指していると語りました。

TSIホールティングスは、サステナブルコットンを調達する短期的な取り組みと、サステナブルコットンを育成・活用する中長期的な取り組みを紹介。2022年からインドで独自の綿花の試験栽培をスタートし、2025年6月には日本の大手アパレル企業として初めて、原材料から最終製品までの履歴を追跡し、オーガニック製品のトレーサビリティを証明する国際認証、「OCS認証（Organic Content Standard）」を取得。

今後は、サプライチェーンでの透明性を確保しつつ、オーガニック素材を本格導入し、26年春には傘下ブランド「ナノ・ユニバース」よりジェンダーレスのオーガニックシャツを発売するそうです。

タキヒヨー株式会社は、2019年からアパレル・繊維業界のサステナビリティ向上に取り組む国際NPO「テキスタイルエクスチェンジ」のメンバーに加入。現地の農家を訪れた際には、「継続的な支援がなければ、サステナブルな農法は根付かない」という現場の声があったとし、日本企業がその担い手として、インドの農家とつながりを持ち、共に価値を高めていくことへの期待が語られました。

サステナブルの本質を問うトークセッション

クリエイティブディレクターの辻愛沙子氏をファシリテーターに迎えたトークイベント「日系ファッション企業による、インドでのサステナブルなコットン栽培」では、各登壇者が現地での取り組みを通して感じたリアルな声を発信する場となりました。

スタイレム瀧定大阪の髙森氏は、オーガニック栽培への切り替えにより、「農家の方から、手の荒れや体調不良がなくなった」と言われたエピソードを紹介。「それこそが本質的なサステナブルだと実感した」と話しました。

また学生団体「やさしいせいふく」の福代氏は、「消費者のリテラシーを高めていく必要がある。ファームトゥークローゼットの意識が当たり前になってほしい」と呼びかけました。

セミナーの後半には、TSIホールディングスによるOCS認証取得の背景に迫るプレゼンテーションも実施。

「ナノ・ユニバース」デザイナーの大澤氏は、企画をする際に「ファッションを悪者にされたくない。よりよくファッションを売っていくために何をしたらいいかを考えた」と企画する上での思いを語りました。

学生団体carutenaの横田氏も「エコを全面に押し出すよりも、自然と手元に置いておきたいと思う商品作りを心がけている」と話し、立場の異なる両者が意見を交わす場となりました。

今回のセミナーを通じて、農業をサステナブルにする取り組みがどんな変化をもたらしているのか、現地のリアルな声を通して知ることができました。普段着ている服が、実は農業と深く関わっている、そんな気づきを与えてくれる貴重なイベントになったのではないでしょうか。

ファッション・アパレルの求人一覧

ファッション・アパレル業界に特化した求人サイトを運営するREADY TO FASHIONでは、新卒や中途、業務委託、アルバイトなど4,500件以上の求人を掲載しています。新卒や中途、アルバイト、副業などの雇用形態のほか、多種多様な職種・業種軸で自分にあった仕事をお探しいただけます。業界に興味ある人は、ぜひREADY TO FASHIONをご活用ください。

WWFジャパン主催「SUSTAINABLE COTTON JOURNEY 2025」が開催。国内アパレル3社と学生団体が登壇。サステナブルな服づくりの現在地とははREADY TO FASHION MAGで公開された投稿です。